Podemos diferenciar claramente dos épocas en el periodo de entre guerras. La primera (1918-1929) llega hasta el crack del 29, época de gran prosperidad económica en la que el cine y la fotografía estuvieron dominados por un estilo actual moderno (pensemos que lo moderno sólo es moderno en relación con su contexto, Martin Scorsese podía ser experimental en sus orígenes, moderno en los 70, transgresor en los 80, padre de Quentin Tarantino en los 90, y ser un clásico hoy día con carácter retroactivo). Mientras la Filosofía Analítica (la predominante) buscaba un lenguaje ideal para el análisis filosófico (y el arte de masas hacía lo propio con la fórmula del éxito), los verdaderos artistas forjaban un estilo caracterizado por atrevidas geometrías y por la fascinación que provocaban las vanguardias europeas, los materiales modernos y la maquinaria industrial. El segundo (1929-1945) período reconocible se extiende desdela Depresión hastala Segunda Guerra Mundial, el estilo moderno e intruso fue mayoritariamente abandonado en aras de otro estilo actual documental, que abría una ventana aparentemente transparente sobre aquellos terribles acontecimientos contemporáneos. La imagen del terror y el drama se encontraba entonces en las familias sin comida que echarse a la boca y la crónica negra.

 

Supongo que es un proceso natural, la precisión realista nació primero, con Niépce (“Vista desde la ventana en LeGras”, 1826, la primera fotografía que se conserva) o Daguerre (“Boulevard du Temple”, 1838, la primera fotografía con una figura humana), con los Lumière (“La Sortie des usines Lumière à Lyon”, 1895) y Thomas A. Edison (“Bicycle Trick Riding nº2”, 1899). Lo importante era representar el mundo con la máxima fidelidad, pero pronto los fotógrafos comenzaron a tener ínfulas artísticas, con el germen en esa escoba ante la puerta de Fox Talbot (“The open door”, 1843), esa puerta abierta que dejó entrar los retratos artísticos y realistas de Nadar o el movimiento de las olas de Gustave Le Gray (“La Grande Vague, Sète”, 1857). Georges Méliès inventó los efectos especiales y el artificio en el cine y rodó alguna obra maestra como “Le voyage dans la lune” (1902); y directores como David W. Griffith (“Intolerancia”, 1916), Fritz Lang (“Las tres luces”, 1921) o Sergei M. Eisenstein (“La huelga”, 1925) se erigieron en impresionantes generadores de arte cinematográfico, complejo y de calidad. No hace falta decir que al final, esos dos polos (el documental-científico y el artístico-emocional) se separarían del todo del lado pasional. Con respecto a la fotografía, tal vez en la figura de Julia Margaret Cameron, con sus escenificaciones teatrales y los cálidos retratos de Alice Lidell (la verdadera Alicia de Lewis Carroll); y del propio Méliès o Edwin S. Porter (“Asalto y robo al tren”, 1903) y su trabajo pionero en la narración cinematográfica. En respuesta a la industrialización, comercialización y profesionalización del arte (de la que Walter Benjamin hablaba en ‘El arte en la época de la reproductibilidad técnica’ en 1936), representada por lasinnovaciones de George Eastman y las mejoras en la calidad de cámaras y proyectores; los artistas de la imagen y el sonido hicieron hincapié en las cualidades artísticas de su trabajo. En la época de las vanguardias artísticas, del expolio cultural a África y Oriente para llenar los hacinados museos de Paris o Londres, de Josephine Baker y los libros teóricos de Kandinsky, de la fotografía “pictórica” y el cine como espectáculo más grande del mundo, nadie pensaba que la dura realidad social inminente daría más cancha al realismo documental.